Haben Sie sich jemals gefragt, was sich zwischen den Farben befindet? Diese Frage würde von Vertretern verschiedener Wissenschafts-Disziplinen höchst unterschiedlich beantwortet werden. In der Physik geht es um das Spektrum von Infrarot bis Ultraviolett. Philosophisch betrachtet ist es ein Wahrnehmungsphänomen, welches von unserem Bewusstsein konstruiert wird. Und in der Linguistik fehlen schlicht die Worte, um jede Farbnuance zu beschreiben. Doch in Fuhrimanns malerischem Kosmos spannt sich zwischen den Farben ein feines Netz aus Spannung – ein vibrierendes Feld, das von Bewegung, Emotion und der Ahnung des Unbestimmten durchzogen ist.

Zwei Herangehensweisen

Ihre neuen Werke sind aus zwei unterschiedlichen Ansätzen heraus entstanden. In der einen Herangehensweise verarbeitet sie Fotografien, die sie von ihren Eltern erhalten hat oder andere bedeutungsvolle Bilder. Ihr Blick verweilt nicht auf dem Offensichtlichen – vielmehr entdeckt sie Details im Hintergrund und rückt diese in den Vordergrund. Daraus entwickelt sie eine eigene, geheimnisvolle Bildwelt.

Im Zentrum der anderen Herangehensweise steht die Farbe, genauer gesagt die Farbpallette. Noch bevor eine konkrete Bildidee entsteht, beginnt sie mit der intuitiven Auswahl und dem Mischen von Pigmenten. Diese bestimmen die Grundstimmung einer Werkgruppe. Fuhrimann eröffnet den Malprozess mit dem flächigen Farbauftrag auf die Leinwand. Daraus kristallisieren sich nach und nach Formen, Landschaften und Figuren heraus. Dabei ähnelt ihre Arbeitsweise der «écriture automatique» des Surrealismus – ein intuitives, fast unbewusstes Entstehenlassen von Bildmotiven.

Landschaft in der Schwebe

Ihre Landschaften sind vage und atmosphärisch: Die Grenzen zwischen Himmel, Wasser und Land scheinen fliessend, Horizonte verschwimmen, Figuren tauchen schemenhaft auf. Bei unserem Atelierbesuch zog Fuhrimann Parallelen zur bekannten schweizerisch-japanischen Künstlerin Leiko Ikemura, die eine ähnliche Bildsprache verwendet. Eine malerische Offenheit, die sich ebenfalls mit Übergängen und Zwischenwelten beschäftigt, diffuse, traumähnliche Szenarien mit schwebenden Gestalten und aufgelösten Landschaften. Bei beiden Künstlerinnen entsteht eine Ästhetik, die sich einer eindeutigen Interpretation entzieht.

Rückenfigur und Reflexion

Ein wiederkehrendes Motiv in Fuhrimanns Bildern sind abstrahierte Rückenfiguren. Sie treten oft vereinzelt oder in kleinen Gruppen auf, ohne direkt miteinander zu interagieren. Sie scheinen auf einer Reise, in Bewegung, doch ihr Ziel bleibt im Ungefähren. Die Rückenfigur als Sujet entspringt der Bildsprache der Romantik, insbesondere in den Werken von Caspar David Friedrich. Diese Figuren gelten als Stellvertreter für den Betrachtenden – mit ihnen tauchen wir in die Bildwelt ein, verlieren uns in den weiten Landschaften und reflektieren über das Verhältnis von Mensch und Natur.

Entgrenzung als Bilderfahrung

Einsamkeit als Erfahrung ist in Fuhrimanns Werken nicht bedrückend, sondern kontemplativ und fast meditativ angelegt. Ihre Gestalten scheinen nicht isoliert, sondern vielmehr in eine stille Harmonie mit ihrer Umgebung eingebettet. Diese poetische Verlorenheit findet sich ebenfalls bei Ikemura wieder, deren Subjekte sowohl in, als auch ausserhalb der Welt zu existieren scheinen.

Fuhrimanns Malerei konfrontiert uns mit rätselhaften Strukturen wie Zäune oder fragile Gerüste, die sich in ihre Landschaften einschreiben. Sie scheinen Grenzen zu markieren, doch bleibt unklar, was genau abgegrenzt wird und warum. Sind es Schutzbarrieren oder Zeichen von Isolation? Warum enden manche Zäune abrupt im Nichts? Die Frage nach Grenzen – sowohl im physischen als auch im metaphorischen Sinne – bleibt in ihren Werken unbeantwortet. Ähnlich verhält es sich mit den instabilen Gerüsten, die an die Hochsitze von Rettungsschwimmern erinnern. Doch wirken sie zu zerbrechlich, um Schutz oder Sicherheit zu bieten. Sind sie Orte der Beobachtung oder selbst Zeichen einer ungewissen Lage? Vielleicht sind es gar die Personen auf den Gerüsten, die Hilfe benötigen. Auch hier bleibt die Interpretation offen, ihre Malerei spielt bewusst mit Mehrdeutigkeiten. In der dichten Atmosphäre der malerischen Behandlung zeigen sich Figuren im Übergang begriffen – auf dem Weg in eine andere Welt, in unbekanntes Terrain diesseits und jenseits des Bildes.

An der Schwelle

Die Schwelle ist dabei ein zentrales Motiv: Oft stehen Fuhrimanns Gestalten am Rand eines Weges, an einer Grenze zwischen Feldern oder an der Schwelle zu einem neuen (Bild-)Raum. Solche Bildstrukturen erzeugen das Gefühl von einem Moment des Innehaltens, kurz bevor eine Entscheidung getroffen wird oder Bewegung erfolgt. Auch die Zeit spielt dabei eine wichtige Rolle in ihrer Malerei. Während die Landschaften eine gewisse Zeitlosigkeit suggerieren, bringen die Körper Dynamik ins Bild – sei es durch eine angedeutete Bewegung oder durch ihre Position im Raum. Das Wechselspiel zwischen Stille und Bewegung, Ruhe und Aufbruch ist charakteristisch für ihre Bildsprache.

Auflösung

Fuhrimanns Bilder verzichten auf klare Umrisse, sie lösen sich in Farbflecke und sanfte Übergänge auf, die ihre Figuren oft wie Geister oder Erinnerungen erscheinen lässt. Fuhrimann erforscht auf subtile Weise das Unsichtbare – Stimmungen, Gefühle und innere Zustände, die sich nicht in Worte fassen lassen, sondern durch Farben und Übergänge sichtbar gemacht werden.

Sarah Fuhrimanns Malerei ist eine Einladung zum Verweilen, zum Hineinfühlen und Assoziieren zwischen den Farben. Ihre Werke balancieren zwischen Realität und Traum, zwischen Nähe und Distanz. Die Bilder verweigern sich einer eindeutigen Lesart und ermöglichen es den Betrachtenden, ihre eigenen Erfahrungen, Erinnerungen und Sehnsüchte in die Malerei zu projizieren. Das macht ihre Kunst nicht nur poetisch, sondern auch universell erfahrbar – als Reflexion über das Menschsein in einer Welt, die stets im Wandel und schlussendlich in der Auflösung begriffen ist.

Text: Barbara Marbot und Hans Ryser, im April 2025